SELEZIONATI
Sandro Bini,   Simona Bonanno,   Maurizio Cintioli,  Daniele Cruciani,  Maura Ghiselli,  Erica Kraft & Raffaella G. Fidanza,   Massimiliano Mammini,  Marco Mugnai,  Nicola Montagner,  Aldo Palin,   Vezio Paoletti, Laura Peres, Maria Rocchetta Pantaleo Rizzo, Serenella Volpe.

Nella stessa giornata, la giuria valutando le opere di tutti gli autori selezionati  sulla base dell’interpretazione del tema e della qualità del lavoro ha scelto i vincitori del concorso 2010:

PREMIATI 2010
1° premio Marco Mugnai “Muoversi in libertà” (1000 euro +  soggiorno)
2° premio Simona Bonanno “brOkEn”  (500 euro +  soggiorno)
3° premio Aldo Palin  “Una nuova energia vitale in fuga” (250 euro +  soggiorno)
Inoltre le opere premiate sono pubblicate sulla rivista “Il Fotografo” e sulla testata giornalistica online CultFrame – Arti Visive.

Primo Premio. Marco Mugnai. Muoversi in libertà

Secondo Premio. Simona Bonanno. brOkEn

Terzo Premio. Aldo Palin. Una nuova energia vitale in fuga

Per la selezione dei lavori sono intervenuti artisti ed operatori nel mondo dell’immagine e comunicazione. La giuria  presieduta da Maurizio Chelucci (fotografo e direttore per la fotografia della MassenzioArte), ha visto coinvolti Sandro Iovine (direttore della rivista IL FOTOGRAFO), Susan Kammerer (artista, fotografa e docente d’arte), Gianfranco Tartaglia (vignettista, in arte Passepartout, e docente di comunicazione all’università di Tor Vergara), GianDomenico Marini (fotografo), Carlo Gianferro (fotografo), Aurelio Candido (grafico, giornalista, newspaper designer).

CultFrame 07/2010

IMMAGINI
1 Marco Mugnai. Muoversi in libertà (primo premio)
2 Simona Bonanno. brOkEn (secondo premio)
3 Aldo Palin. Una nuova energia vitale in fuga (terzo premio)

INFORMAZIONI
Promozione: Accademia Italiana del Peperoncino / Direzione concorso: Maurizio Chelucci
Organizzazione: Associazione Culturale Massenzioarte / Via del Commercio 12, Roma /   rossopiccante.massenzioarte@gmail.com; massenzioarte@massenzioarte.it
Patrocinio: Comune Diamante ed Il sostegno della Regione Calabria
Partner culturali: il Fotografo / CultFrame – Arti visive / Passepartout Francesco Fiammeri

LINK
CULTFRAME. Premio Rosso… Piccante. Peperoncino Festival 2009
MassenzioArte – I lavori selezionati
Peperoncino Festival

Lo spettatore si rispecchia nei confini astratti e formali delle immagini e rivive, nel brusio visivo del silenzio nel deserto architettonico e ambientale, la stridente condizione umana in una Russia poco densamente popolata. Una visione di consapevolezza dei propri limiti e di ricerca di coscienza sulla scia dello “stream of consciousness” nell’assenza e nel vuoto della scrittrice inglese Virginia Woolf. L’obiettivo sembra essere quello di riportare la libertà nel nostro mondo immaginativo per poi traslarlo in quello politico e sociale. Gronsky espone un lavoro metafisico sulla ricerca razionale del confine tra uomo e ambiente, urbano e non urbano, tra uomo in alto e in basso nello spazio naturale e sociale, tra acqua e cielo nell’orizzonte invisibile. Lo spazio esplorato  da Gronsky vive nel “mezzo”,  sospeso nel nulla dell’ignoto e di ciò che sta “al di là”.

La giuria è stata impressionata dalla qualità e dalla diversità delle immagini inviate da tutto il mondo. Su 81 nomine, 31 vengono dall’Europa, 14 dall’Asia, 13 dal Sud America, 3 dall’Africa, 3 dall’Australia e dalla Nuova Zelanda e 2 dall Medio  Oriente. L’intenso lavoro della giuria si è basato su di una analisi dei diversi approcci fotografici dei partecipanti, del modo in cui la tecnologia è entrata nel lavoro del fotografi, e ha dato il via ad un lungo dibattito tra i membri sul significato della fotografia oggi e dell’evoluzione che avrà negli anni futuri. La scelta del fotografo è determinante: uno stile limpido, chiaro e scelto, senza tentennamenti. L’immagine ha carattere di ricerca culturale, informativo, sociale, politico, scientifico, divulgativo, e soprattutto è intesa come atto creativo razionale e finalizzato alla diffusione della conoscenza di diversi aspetti della società e dello scibile umano.

I membri della giuria comprendono: Simon Njami (Francia, a capo delle giuria, curatore, critico d’arte e pubblicista), Tony Chambers (U.K. , capo editore del ”Wallpaper Magazine”), Fracoise Hebel (Francia, direttore del Festival Internazionale di Fotografia “Les Rencontres d’Arles”), Chen Jiaojiao (Cina, editore capo di “Outlook Magazie”) e Lesley Martin (USA, capo delle pubblicazioni per “Aperture Foundation” in New York) e hanno scelto tra una diversificata raccolta di lavori di 100 fotografi provenienti da tutto il mondo annunciate ufficialmente il 23 Febbraio scorso.
Quest’anno è la quarta volta che Foam organizza questo concorso. Dal 2007 il premio Paul Award è inteso a incoraggiare giovani fotografi da tutto il mondo. Nel 2007 la giuria aveva premiato due fotografi di talento: Mikhael Subotzky (Sud Africa, 1981) e Taryn Simon (USA, 1975). Nel 2008 il vincitore fu Pieter Hugo (Sud Africa, 1974) e l’anno scorso Leonie Purchas (U.K.,1978).

©CultFrame 03/2010

IMMAGINI
1 Alexander Gronsky, Less Than One, Yakutia, Russia, 2008
2 Alexander Gronsky,The Edge, Moscow boundaries, Russia, 2009
3 Alexander Gronsky, Less Than One, Komsomolsk on Amur, Russia, 2007
4 Alexander Gronsky, Endless Night, Polar Night in Murmansk, Russia, 2007

LINK
Il sito di Alexander Gronsky
Foam, Amsterdam

]]> http://www.cultframe.com/2010/03/alexander-gronsky-vincitore-del-foam-paul-huf-award-2010/feed/ 0 http://www.cultframe.com/2009/11/taylor-wessing-photographic-portrait-prize-2009/ http://www.cultframe.com/2009/11/taylor-wessing-photographic-portrait-prize-2009/#comments Mon, 16 Nov 2009 20:04:37 +0000 Claudia Colia http://www.cultframe.com/?p=7262 Come ogni anno, la National Portrait Gallery mette in mostra le opere dei finalisti del Taylor Wessing Photographic Portrait Prize. Il concorso seleziona una sessantina di fotografie inviate da più di duemila artisti di formazione e nazionalità diverse. Ogni partecipante può sottoporre fino a sei stampe e la selezione finale, attuata attraverso un vaglio di oltre seimila immagini, rappresenta un vero e proprio excursus del ritratto fotografico. In questo contesto, non cade del tutto inaspettata la scelta del vincitore del premio di dodicimila sterline, che quest’anno è andato a Paul Floyd Blake per il suo ritratto della giovane nuotatrice Rosie Bancroft.

Ad un primo sguardo si viene attratti da una quieta e composta scena di ordinaria bellezza, l’atleta ritratta in costume da bagno, l’espressione ottimista e su un viso ancora acerbo di adolescente. Guardando più attentamente, però, si notano il piede e la gamba artificiali. Rosie è infatti una giovane atleta paraolimpica, che spera di competere nelle prossime olimpiadi del 2012.

Blake, fotografo del West Yorkshire, sta lavorando ad un progetto dal titolo On Track, che prevede una serie finale di ritratti di atleti, aspiranti alle competizioni olimpiche (dodici scatti l’anno, tra il 2007 e il 2012). La serie mira non tanto a rappresentare degli sportivi, quanto a mettere in risalto dei giovani ordinari, impegnati nel raggiungimento di obiettivi eccezionali. L’artista ricorda di aver immortalato Rosie dall’unico punto di vista disponibile, una finestra bassa dello spogliatoio. La ragazza aveva appena raggiunto il suo record personale, dopo essersi allenata tutto il giorno, e forse questo ha determinato la forza e la confidenza che traspaiono dal ritratto.

Gli adolescenti sono i protagonisti degli altri premi di questa edizione.

Girl in a Golden Dress di Vanessa Winship è un delicato ritratto in bianco e nero, che pone in risalto la matericità del vestito di seta indossato dalla ragazzina, ritratta in una classica posa statica, ma leggermente fuori centro. Le aspettative della giovane, pronta a partecipare ad un giorno di festa, e la ricchezza del tessuto si stagliano contro un muro squallido ed un ambiente neutro. La foto fa parte di una serie di scatti realizzati in Georgia, in cui la fotografa sfrutta la qualità narrativa del bianco e nero per esplorare, attraverso i dettagli delle vesti, il modo di occupare lo spazio e di relazionarsi con l’obbiettivo, le emozioni di giovani ragazze, la loro posizione in una società ancora fortemente rurale.

Totalmente diverso l’approccio di Mirjana Vrbaski per Girl, aggiudicatosi il quarto premio di mille sterline. Nella sua personale ricerca dell’elemento ambiguo e universale nel genere del ritratto fotografico, l’artista ci dona un anonimo volto di fanciulla, immortalato ad Amsterdam nel giugno del 2009. La fotografa serba, che al momento studia all’Accademia d’Arte di Le Hague ha detto di aver preso solo questo scatto, perché nel momento esatto in cui inquadrava la ragazzina ha capito di aver raggiunto l’ideale che si era prefissata.

A Michal Chelbin, rinomata fotografa israeliana, è andato il terzo premio per Stas, quindicenne in un carcere di massima sicurezza in Russia. La foto fa parte di un’ampia serie di ritratti di detenuti, dal titolo Locked. Per realizzare la foto, Chelbin ha passato diversi giorni nel carcere russo, prima di notare il suo soggetto. Fiducia e confidenza si sono stabilite solo dopo molte ore di lavoro e diversi scatti, presi in posti differenti. Solo alla fine Chelbin ha scoperto che il giovane era imputato di omicidio.

Facendo un giro nella mostra, si possono notare alcuni esempi significativi di foto giornalismo, dal genocidio del Rwanda (Carol Allen-Storey Rape is a Weapon of War) agli effetti devastanti della diossina in Vietnam (Philip Jones Griffiths: Agent Orange), ma anche temi attuali trattati con delicatezza attraverso storie private (Emma di Oli Kellett, da una serie di ritratti di persone licenziate in seguito alla crisi economica).

Non mancano poi foto di personaggi famosi, tra cui Lucian Freud, ritratto sul suo letto con il cane Eli da Koos Breukel. E’ interessante notare qui un leggero imbarazzo da parte del pittore, forse quasi un disagio nel farsi ritrarre da un altro artista.

Come ogni anno la mostra offre non solo visibilità ai lavori di alcuni dei più rinomati  fotografi emergenti, assieme a quelli di professionisti ormai affermati, ma anche la possibilità di creare una particolare narrativa, che porta lo spettatore a investigare la realtà attraverso disparati elementi: pathos, bellezza, dramma, glamour, ironia, mistero.

©CultFrame 11/2009

IMMAGINI

1 ©Paul Floyd Blake. Rosie Bancroft, 2008

2 ©Mirjana Vrbaski. Girl, 2009

3 ©Michal Chelbin. Stas, Sentenced for Murder. Juvenile Prison. Russia 2009

INFORMAZIONI

Dal 5 novembre 2009 al 14 febbraio 2010

National Portrait Gallery / St Martin’s Place, Londra / Telefono: +44(0)2073122463

Orario: 10.00 – 18.00 / giovedì e venerdì 10.00 – 21.00 / Ingresso libero

LINK

CULTFRAME. Taylor Wessing Photographic Portrait Prize 2008

National Portrait Gallery, Londra

Il concorso, finalizzato alla promozione della fotografia in Italia ed in particolare della fotografia espressione di una  cultura “piccante”, ha visto la partecipazione di circa 400 autori per  un totale di 1600 immagini.

ARTISTI SELEZIONATI

Alessandro Monforte; Anna Fabroni; Anna Rodowska; Antonella Ricciotti; Carlotta Bertelli; Ciro Meggiolaro; Cristina Cappelletti; Federica Poletti; Francesca  Andreone; Letizia Bellavoine; Lia Rosso; Marco Ceccherini; Maria Giovanna De Benedictis; Mauro Alberti; Michela Carmazzi; Rosetta Messori; Valentina Pizzolato; Valeria Floris.

I PREMI

Durante il Peperoncino Festival che si è svolto a Diamante dal 9 al 13 settembre, sono stati premiati i migliori tre lavori con l’assegnazione di premi per un totale di 1.750 euro, pubblicazione su riviste (Il Fotografo, CultFrame – Arti visive) e soggiorni in Calabria.

Primo premio: Michela Carmazi. rosso indelebile

Secondo premio: Letizia Bellavoine. senza titolo

Terzo premio. Francesca Andreone. Ink-hot

Menzione speciale: Cristina Cappelletti e Valeria Floris

IL TEMA

Il tema su cui si sono confrontati i partecipanti era legato alla produzione di un mini progetto formato da 4 opere fotografiche inerente il tema del concorso “Rosso… Piccante”. Nel suo sviluppo il lavoro poteva essere una storia, rappresentare un concetto,  una situazione, una raccolta omogenea etc. L’importante è che le  4 immagini fossero  fortemente legate fra loro. Aderenza al tema (il rosso, il piccante, od entrambi), qualità, ricerca, l’idea, concetti espressi, ironia, omogeneità delle immagini  sono stati  i criteri fondamentali della selezione.

Partecipare non è stato facile come poteva sembrare e la difficoltà di dover pensare e costruire un lavoro ad hoc ha reso sicuramente stimolante ed impegnativa  questa competizione.

Sono arrivati tanti lavori, alcuni con chiavi di lettura assolutamente insoliti, altri prevedibili ma realizzati con cura e professionalità, altri ancora in erba ma promettenti. Aldilà di chi è stato selezionato e chi no è ha sicuramente stimolato la creatività dei partecipanti. La foto, dopo 160 anni di vita ha ancora tanto da dire e, soprattutto nel tempo, è maturata  la consapevolezza di una fotografia fatta non solo di aspetti tecnici e formali ma mezzo di comunicazione che permette a tutti di esprimersi e costruire un progetto. Ed è proprio sul concetto di progettualità che la manifestazione vuole  continuare a muoversi; essere di stimolo, perché da cosa nasce cosa, e dai piccoli progetti nascono poi, grandi fotografi.

LA GIURIA

Per la selezione dei lavori sono intervenuti artisti ed operatori nel mondo dell’immagine e comunicazione. La giuria  presieduta da Maurizio Chelucci (fotografo e direttore per la fotografia della MassenzioArte ), ha visto coinvolti Susan Kammerer ( artista, fotografa e docente d’arte), Gianfranco Tartaglia (vignettista, in arte Passepartout, e docente di comunicazione all’università di Tor Vergara), GianDomenico Marini (fotografo, vincitore di numerosi festival delle fotografia), Carlo Gianferro (fotografo, vincitore di concorsi fra cui il prestigioso World Press Photo 2009).

CultFrame 09/2009

IMMAGINI

1 Michela Carmazi. rosso indelebile

2 Letizia Bellavoine. senza titolo

3 Francesca Andreone. ink-hot

INFORMAZIONI

Promozione: Accademia Italiana del Peperoncino / Direzione concorso: Maurizio Chelucci

Organizzazione: Associazione Culturale Massenzioarte / Via del Commercio 12, Roma /   rossopiccante.massenzioarte@gmail.com; massenzioarte@massenzioarte.it

Patrocinio: Comune Diamante ed Il sostegno della Regione Calabria

Partner culturali: il Fotografo / CultFrame – Arti visive / Passepartout Francesco Fiammeri

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MassenzioArte – I lavori selezionati

Peperoncino Festival

Esiste un’etica del fotogiornalismo? Ci sono dei limiti riguardo la rappresentazione del dolore? Lo sguardo del fotografo deve essere guidato da fattori di tipo deontologico? Sussiste il pericolo della censura, della rimozione “politica” di immagini scomode? Oppure, all’opposto, è riscontrabile nel mondo del fotogiornalismo un tipo di speculazione espressiva che giova solo ed esclusivamente alla carriera del fotografo che ha fatto click nel posto giusto, al momento giusto?

La rivista CultFrame e l’associazione Punto di Svista riflettono da diverso tempo su questi argomenti, cercando di scansare sistematicamente tutti i luoghi comuni imperanti nel mondo del fotogiornalismo, sempre più rutilante vetrina di fotografi e “luogo” nell’ambito del quale il personalismo e il sensazionalismo stanno prendendo piede. L’impressione è che il fotogiornalismo sia da tempo un contenitore ormai vuoto, dietro cui si nascondono operazioni di marketing professionale: una sorta di alibi accettato e alimentato dal sistema dell’informazione. Un fotogiornalismo caratterizzato da “star dello scatto” che si costruiscono una solida fama attraverso servizi dal grande impatto emotivo, e ovviamente politically correct fino allo spasimo, e che poi monetizzano attraverso altre operazioni banalmente mercantili (mostre, corsi e workshop, in genere) non può che spingere l’informazione visiva verso una penosa deriva.

Il problema è che lettori di giornali, fotoamatori, appassionati, finiscono per non comprendere più quale sia la vera sostanza del fotogiornalismo; tale sostanza è molto più limpida di quanto possa sembrare e nulla ha a che fare con i macroscopici personalismi in voga negli ultimi anni.

Non ci addentreremo ora, in una riflessione sulla corretta natura del fotogiornalismo, ma vogliamo cercare di riflettere prendendo come spunto di discussione il lavoro con il quale il reporter del Miami Herald  Patrick Farrell si è aggiudicato la sezione “Breaking News Photography” del premio Pulitzer.

Non intendiamo mettere in dubbio la buona fede dell’autore in questione (su cui fino a prova contraria non possiamo dire nulla), né sminuire il senso del Premio Pulitzer. Cercheremo solo, attraverso alcuni esempi, di mettere in luce come all’interno di servizi fotografici fatti senza secondi fini si possano annidare inconsapevolmente stereotipi e immagini il cui senso è estraneo al concetto di informazione.

Le opere  in questione sono state pubblicate con grande risalto anche da Repubblica.it e naturalmente stanno facendo il giro del mondo così come capita in queste occasioni.

Il lavoro di Farrell documenta gli esiti devastanti dell’uragano che ha sconvolto Haiti nel 2008. Le caratteristiche di questo fotoreportage sono quelle tipiche degli ultimi anni, caratteristiche che si sono trasformate nel tempo in veri e propri stilemi facilmente riproducibili da qualsiasi fotografo, anche dilettante: bianco e nero drammatico, forti contrasti e sgranature, uso di obiettivi grandangolari spinti, raffigurazione senza limiti del dolore e della morte. Di reportage di questo tipo negli ultimi dieci anni se ne sono visti a centinaia: tutti uguali, tutti iper spettacolari, tutti estremi, tutti drammaticamente estetizzanti. Ma si può dire di più, semplicemente andando ad analizzare tre scatti specifici.

Il primo. Un’inquadratura dall’alto mostra nella parte bassa dell’immagine i cadaveri di ben undici bambini morti durante l’uragano. Nella parte superiore si vedono invece alcuni adulti in piedi con i volti sconvolti.

Il secondo. In primissimo piano è inquadrata la mano di un cadavere mentre sullo sfondo, sfocato, si vede il volto di un bambino morto.

Il terzo. Un bambino completamente nudo è ripreso a figura intera mentre sporco di fango spinge una carrozzina rotta.

Sorvoliamo per motivi di spazio, su questioni di carattere meramente estetico e diciamo solo che stilemi come la dialettica tra fuoco e fuori fuoco, uso enfatico del primissimo piano, dilatazione cripto espressionistica provocata dal contrasto e dagli obiettivi grandangolari, sono incompatibili con sia il “fotogiornalismo-testimonianza” sia con un concetto fotografico di tipo solidaristico.  

In questo casi, infatti, l’utilizzazione stereotipata di taluni elementi linguistici visuali finisce per prevalere nettamente sul contenuto dell’immagine e per generare in chi guarda la sensazione di confrontarsi con una fotografia che potrebbe essere definita “bella”.

Ora, ci domandiamo che cosa effettivamente documentino opere di questo tipo. La distruzione? Il dolore? La nostra impressione è che si vada ben oltre il dovere di informazione. Se fotogiornalismo è sinonimo di documentazione e testimonianza di fatti accaduti, questo genere di fotografia ci fa vedere invece qualcosa di diverso: cioè le atroci sofferenze, totalmente private, di individui e bambini inermi, alcuni dei quali morti, le cui immagini sono esposte senza filtri allo sguardo di cittadini benestanti, che magari leggono il giornale comodamente seduti nella bella poltrona di casa. Per testimoniare gli esiti di un cataclisma è necessario mostrare il corpo irrigidito del cadavere di un bambino? Le persone vive ritratte dall’obiettivo fotografico sono consapevoli che le loro immagini saranno pubblicate sui giornali di mezzo mondo?

Siamo alle solite. La raffigurazione del dolore altrui e della morte, sempre altrui, finisce per divenire testimonianza non dei fatti ma della differenza/separazione di classe, tra il mondo ricco e quello povero. Attenzione, non testimonianza intesa come denuncia politica, ma semplicemente come “certificazione” di una diseguaglianza sociale sempre più estrema. Il mondo ricco guarda il mondo povero, lo fotografa, lo sbatte sui giornali, e lo utilizza per scopi che nulla hanno a che fare con la tragedia umanitaria che si dovrebbe testimoniare.

Si ricade dunque sempre nell’annoso problema dello “sguardo colonialista”: il fotografo di un paese  ricchissimo possiede i soldi (molti) per andare sui luoghi delle tragedie e per costruire professionalmente un lavoro fotografico sulle disgrazie altrui, lavoro che ovviamente sarà venduto generando un profitto. Il potere che il fotografo ricco ha sui diseredati della terra è immenso: li può infatti riprendere senza problemi in tutta la loro povertà, trasformandoli di fatto in oggetti. Dove è finita la pietà umana? Dove è finita la questione centrale della scelta del fotografo di pubblicare o no un’immagine? E il rispetto per la dignità degli individui? E lo stesso fotografo (ricco) tratterebbe in ugual modo un cataclisma naturale avvenuto in un paese europeo o nordamericano? Fotograferebbe i cadaveri di bambini senza poi imporre all’editore del suo giornale di oscurarne il volto?   

Sembra sempre più necessario che giornalismo e fotografia facciano un esame di coscienza (collettivo) riguardo la strada che è stata intrapresa, una strada che sembra aver perso quell’umanità che dovrebbe guidare lo sguardo, non solo dei fotografi, ma anche dei semplici cittadini, questi ultimi ormai non più in grado di comprendere la differenza tra documentazione del dolore e spettacolarizzazione colonialista della sofferenza.

Rimane sempre chiara nella nostra mente la straordinaria lezione di Claude Lanzmann, filosofo e cineasta che si è sempre rifiutato nell’ambito del suo lavoro di analisi e studio della Shoah di mostrare nei suoi documentari le immagini dei cadaveri trovati da americani e russi al loro ingresso nei campi di sterminio nazisti. Per narrare il dolore e la morte di inermi non c’è bisogno di mostrare il vergognoso oltraggio che è stato fatto dei loro corpi. È  per questo che il documentario di Lanzmann Shoah è una delle maggiori opere intellettuali del secolo scorso. Per il rigore morale con il quale è stato realizzato, per il rispetto assoluto della dignità di coloro i quali hanno sofferto.

I fotogiornalisti di oggi si sono mai posti seriamente questi due problemi?

©CultFrame 04/2009 

LINK

CULTFRAME. Informazione, fotogiornalismo e sofferenza umana

Le fotografie di Patrick Farrell su Miami Herlad

Premio Pulitzer- Il sito

Dal 1996 la Photographers’ Gallery ha istituito un prestigioso premio annuale, volto non solo al riconoscimento dell’opera di fotografi a livello internazionale, ma anche ad attirare l’attenzione del pubblico sul ruolo della fotografia contemporanea. Inizialmente sponsorizzato dal gruppo bancario Citygroup, il premio dal 2005 è passato sotto l’egida di Deutsche Borse, che ha contribuito a creare un’interessante collezione di fotografie, molte realizzate da artisti finalisti. La selezione di quest’anno, a cura di una giuria interna, composta da fotografi, accademici e curatori internazionali, presenta al pubblico i lavori di quattro artisti e alla mostra si accompagna un nutrito programma di dibattiti ed eventi, che culminerà a fine marzo, con la premiazione del vincitore.

Al piano inferiore della Photographers’ Gallery si trova un’installazione di venti fotografie basata sulla precedente pubblicazione di Paul Graham, dal titolo “A shimmer of Possibility”. Il titolo si inspira ai romanzi brevi di Checov e l’opera originale consta di dodici volumi, in cui visivamente viene narrata una storia di ordinaria quotidianeità. Nella galleria le foto sono state appese alle pareti a diverse altezze e con alternanza di forme e dimensioni, per cercare di ricreare la disposizione originale con cui apparivano nei libri. Si tratta di piccoli, intensi momenti lirici, scatti realizzati tra il 2004 e il 2006 durante un viaggio attraverso gli Stati Uniti, e presentati come un fluido susseguirsi di quieti sguardi, volti ad immortalare semplici aspetti della vita di ogni giorno. L’uomo che fuma una sigaretta, il tramonto tra gli alberi, una partita di basket in strada, l’attesa alla fermata dell’autobus, tutto si risolve in una breve sequenza filmica, dalla liricità conclusa, ma perfetta, come quella di un haiku.

Al piano superiore, gli scatti in bianco e nero di Tod Papageorge, fotografo statunitense, già protagonista di una mostra alla Michael Hoppen Gallery di Londra, lo scorso anno, ci portano invece a Central Park, attraverso un viaggio di oltre vent’anni, alla scoperta di un’umanità varia e singolare. Si tratta di foto a cui l’utilizzo della medium format conferisce una valenza quasi sculturale, mentre l’intervento dell’artista concorre a strutturarne la narrativa, secondo una sequenza derivata dal Libro della Genesi. Si può definire “Passing through Eden” come uno studio poetico di Central Park, in cui la medium format descrive liricamente una luce che investe e definisce corpi e fili d’erba, gesti e verità nascoste.

Taryn Simon, da New York, già presente due anni fa alla Photographers’ Gallery con la mostra dal titolo “An American Index of the Hidden and Unfamiliar”, propone qui una selezione di immagini dalla medesima collezione, in cui si esaminano con attenzione tutte le realtà celate ed invisibili presenti in ambiti diversi (scientifico, governativo, medico, religioso, ecc.) del territorio e della società americana. Dalla tigre bianca dell’Arkansas alle unità di crioconservazione (un processo di ibernazione offerto a privati) del Michigan, dai rifiuti nucleari di Hanford, uno dei posti più contaminati degli Stati Uniti, alla foresta pluviale di Washington, la Simon esplora le complicate dinamiche tra fotografia e contesto.

Ciò che è visibile viene filtrato esteticamente, ridefinito dal testo in una composizione che riflette e rivela gli aspetti fondamentali dell’identità nazionale, mentre l’operato dell’artista si situa a metà tra il ruolo di informatrice e quello di collezionista di curiosità.

Il percorso espositivo si chiude con una selezione di immagini e materiali tratti dall’installazione multimediale (in fieri) di Emily Jacir, presentata alla Biennale di Venezia nel 2007. In “Material for a Film”, l’artista kuwaitiana ripercorre la vita dell’intellettuale ed attivista palestinese Wael Zuaiter, ucciso da agenti israeliani a Roma, nel 1972. L’installazione, ponendosi come un corridoio percorribile in entrambi i sensi, racconta la vita dell’intellettuale atraverso i materiali più disparati, dalla monetina forata usata per l’ascensore, alla copia delle Mille e una Notte che Zuaiter andava traducendo in italiano, la copertina scalfita da uno dei proiettili che lo uccise, e poi ancora lettere, appunti, ritagli di giornale, fotografie. Il visitatore viene così coinvolto in un racconto dinamico, la cui dialettica mira ad investigare non solo le logiche d’archivio, ma anche l’importanza della memoria e del concetto di resistenza politica.

Un catalogo riccamente illustrato, edito da Stefanie Braun, accompagna la rassegna e include saggi di Salah M. Hassan, Sarah James e Susan Kismarik ed interviste con Tod Papageorge e Michael Almereyda. Il vincitore del Deutsche Borse Prize 2009 verrà annunciato il 25 marzo e riceverà un premio di 30.000 sterline.

IMMAGINI

1 Tod Papageorge. Central Park, New York, 1982. © Tod Papageorge/ Courtesy Pace/ MacGill Gallery, New York
2 Paul Graham. Untitled from a shimmer of possibility, 2007. © Paul Graham/ Courtesy Anthony. Reynolds Gallery, London

INFORMAZIONI

Deutsche Borse Photography Prize 2009

Dal 20 febbraio al 12 aprile 2009

Photographers’ Gallery / 16-18 Ramillies Street, Londra

Orario: tutti i giorni 11.00-18.00 / giovedì e venerdì 11.00-20.00 / chiuso il lunedì

Ingresso: gratuito

LINK

The Photographers’ Gallery, Londra

Alla National Portrait Gallery sono in mostra una sessantina di foto ritratti realizzati da giovani fotografi, studenti o semplici appassionati di fotografia. Sono i finalisti del Taylor Wessing Photographic Portrait Prize 2008, un premio sponsorizzato dall’omonima compagnia legale e che ha visto oltre 2500 partecipanti per un totale di 6700 immagini. La mostra include i quattro vincitori del premio e il vincitore del Godfey Argent Award, per il miglior ritratto in bianco e nero.

Al visitatore si presenta un caleidoscopico riassunto di umanità, dal neonato al vecchio con il volto segnato, al pugile africano con le scarpe consunte al predicatore Americano, armato di Bibbia e di pistola. Ci sono ritratti di persone, che sono un’interpretazione del mondo e a tratti stabiliscono paralleli con la pittura del Rinascimento o dell’Ottocento.

La vincitrice, Lottie Davies, dà corpo ad un sogno raccontatole da un’amica. In una stanza dai ricchi tendaggi e dalle pareti scrostate, una donna appare serenamente reclinata in un letto, circondata da cinque neonati. La donna è una modella, i neonati sono lo stesso bambino fotografato più volte. Si tratta dunque di una foto accuratamente composta, che tenta di ricreare un’insolita sensazione di realtà.
Secondo classificato, Hendrik Kerstens con il suo ritratto dal titolo “Bag”. Il fotografo olandese da sempre usa sua figlia Paula come modella. In questo scatto evocativo dei grandi maestri fiamminghi come Vermeer, Kerstens ha messo una busta di plastica sul capo della giovane donna e l’ha modellata come un copricapo del diciassettesimo secolo. Al di là della bellezza insolita del ritratto, il fotografo ha voluto porre l’accento sullo spreco dei nostri giorni, la profusione di materiali inquinanti a cui siamo sottoposti. Un’altra finalista, Catherine Balet, ritrae invece due adolescenti come due immagini sacre, dove gli attributi sono diventati un computer, un Ipod, un telefono cellulare, e l’unica fonte di luce è lo schermo da cui sono attratte. Le ragazze sono connesse tra loro dagli auricolari e siedono fianco a fianco, ma in realtà sembrano abitare mondi diversi.

Esplorando le foto in mostra, ci si sofferma su intuizioni misteriose, particolari rivelatori e stridenti, come la modella seminuda, allo specchio, che si ravvia i capelli. Si è immediatamente attratti dal suo volto, dal suo corpo acerbo, ma già in primo piano, leggermente sfocata, si vede la sua gamba amputata al ginocchio. Così come quell’uomo anziano, che ritto in piedi, di fronte ad un fondale neutro, ci guarda con il volto pieno di rughe e gli occhi lucidi, e mostra sul braccio un numero, il tatuaggio del campo di concentramento a cui è sopravvissuto.

E’ come se i fotografi ci invitassero a guardare con intensità, a scoprire nei ritratti qualcosa di più personale, profondo, come una verità universale. Tra le persone ritratte si riconoscono anche personaggi famosi, linee caratteristiche e affascinanti, il sorriso eloquente di Steve McQueen, le rughe del volto di Doris Lessing, la fragile forza di Louise Bourgeois, circondata dal disordine decadente del suo studio.

La luce, il soggetto ritratto e l’attimo in cui la foto viene scattata ci regalano una memoria astratta, arricchita di mistero. Il volto è unico, con una qualità propria, perde la tridimensionalità per acquisire tutte le passioni della vita.

I soggetti sembrano vivere in un’altra realtà, un enigma che sopravvive al tempo. I ritratti non sono foto di sconosciuti, ma di individui di cui eventualmente conosceremo il nome o la storia.

La mostra alla National Gallery fornisce dunque l’occasione, non solo di vedere i lavori di alcuni dei più interessanti e dotati fotografi odierni, ma anche di restare affascinati dai diversi modi in cui si può guardare ad un volto.

©CultFrame 02/2009

IMMAGINE

©Hendrik Kerstens. Bag. per gentile concessione National Portrait Gallery

INFORMAZIONI

Taylor Wessing Photographic Portrait Prize 2008
Dal 6 novembre 2008 al 15 febbraio 2009

National Portrait Gallery / St. Martin’s Place, Londra / Telefono: +44.02073122463

Tutti I giorni 10.00 – 18.00 / giovedì e venerdì 10.00 – 21.00

Ingresso libero

LINK

Il sito di Lottie Davies

National Portrait Gallery, Londra

Bestiario intenso, ritratto curato e suggestivo di una fauna domestica e familiare che racconta un quotidiano a noi parallelo. Ecco, in sintesi quello che si può dire delle immagini di Giacomo Brunelli, che riferendosi agli animali si definisce un collezionista dei loro movimenti, risultato vincitore dell’ultima edizione di FotoLeggendo e del premio Portfolio Italia – gran premio Epson Ita

 Di lui scrive la giuria di FotoLeggendo motivando la scelta con : “Per la ricchezza di contenuti culturali e concettuali tratti dalla tradizione fotografica e cinematografica, tradotti con un linguaggio espressivo e formale aderente alla contemporaneità”.

Sono immagini piccole, formato 20×25, caratterizzate da una buona stampa su carte ai cristalli d’argento e dagli angoli arrotondati; si maneggiano bene, scorrono fra le dita senza incertezze, fanno del loro meglio per essere godute, apprezzate.

Brunelli, caccia; con la sua vecchia Miranda gira nelle campagne e strade intorno a Perugia, si guarda intorno, ricerca attimi, situazioni, abbassa spesso il suo sguardo all’altezza della preda e scatta. Non spara per ferire, probabilmente nemmeno per raccontare.

Non è un reportage il suo, non sono storie, ma semplicemente ritratti; una sorta di esplorazione profonda, intima, che dà identità nuove a quanto accade quotidianamente del cortile. Quello che apprezziamo nelle immagini di Brunelli è la mancanza di compassione, una sorta di realistica brutalità capace di coinvolgere l’osservatore e di spingere l’attenzione aldilà del confine fra uomo ed animale, abbattendo divisioni di genere e portando il ritratto ai limiti della rappresentazione teatrale.

Ci piace questo approccio che da una nobiltà diversa al gatto o cane che sia, che cerca negli occhi un sentimento o nei passi un portamento, tesi ad annullare la bestia e risaltare l’individuo.

Fra tutte le immagini presentate preferiamo sicuramente i primi piani. Sono loro le creature di cui si evidenzia il carattere, da cui traspare il sentimento e sguardo che li rende simili a noi ed è questo che maggiormente colpisce; mentre un’oca ci urla contro ed una volpe dallo sguardo distorto osserva l’obiettivo, distratti dagli occhi allucinati dei una cane che ci ringhia contro. Sono spazi oscuri, atmosfere rese ancor più cupe da processi di ripresa e di stampa, immagini dai contorni incerti e da sfondi sfocati che non lasciano margini a visioni non volute. Sono ritratti di animali che giocano, urlano, litigano, guardano, e capaci di trasmettere un’umanità ed una semplicità che a noi, spesso sfugge.

©CultFrame 02/2008

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Il sito di Giacomo Brunelli

Il sito di Fotoleggendo

Da decenni i teorici cercano di individuare la natura specifica della fotografia. Tra arte, testimonianza, documentazione storica, elaborazione chimica e nuova frontiera digitale, spesso si finisce per perdere di vista quello che è l’elemento fondamentale di questa disciplina: la sua sostanziale indeterminatezza, la sua evidente inafferrabilità. Ancor di più: non ci si rende conto che la fotografia permette un’operazione straordinaria: cioè quella di vedere e fermare ciò che l’occhio umano semplicemente decodifica e cataloga in modo approssimativo.

Dunque, attraverso il procedimento fotografico lo sguardo di ogni individuo si proietta in una dimensione intermedia, oscura, imprendibile che solo il dispositivo ottico riesce a percepire. Da ciò si evince che il mondo in cui viviamo è costituito da strati di senso, da sfumature inavvertibili direttamente connesse al mistero stesso della nostra esistenza.

Ci sono alcuni fotografi che interpretano in maniera molto attenta questa concezione della fotografia, che vanno al di sotto della patina della presunta realtà, che lanciano il proprio obiettivo in quei meandri che nascondo gli atomi del reale, la sua materia invisibile, in sostanza il suo vuoto.

Prendiamo il caso del vincitore del 9° Portfolio in Villa di Solighetto (TV). Stefano Bernardoni, questo il nome dell’autore, ha presentato un lavoro dal titolo emblematico: Soglie visive.

È un titolo che ha una doppia faccia: da una parte l’adesione semantica, più ovvia, alla parola soglia (cioè visione che non si distende fino all’interpretazione della realtà ma si ferma alla sua soglia, appunto), dall’altra il superamento stesso del concetto di soglia (inteso come porta, o confine) per divenire emblema dell’ingresso in una dimensione “altra”, dove le coordinate della rappresentazione visiva tradizionale saltano totalmente.

Bernardoni introduce il fruitore in un universo che utilizza fattori realistici ricollocati in un quadro espressivo dai tratti indefinibili; vuole rimescolare il senso di ogni fattore visibile. Così, la scelta del dettaglio, i tagli anticonvezionali delle inquadrature, le potenti sfocature, l’atmosfera onirica, la sospensione del senso contribuiscono a costruire un’architettura di segni visivi che tende più verso la poesia che verso la fotografia pura e semplice.

Fortunatamente Stefano Bernardoni si è sottratto ai laccioli nefasti del racconto fotografico (ossessione scolastica che distrugge innumerevoli talenti) per situare il suo discorso nell’ambito della riflessione, del pensiero, della produzione libera di immagini, immagini che non devono significare qualcosa ma devono solo comporre il mosaico delle sensazioni umane, il labirinto della psiche e dei suoi angoli più oscuri.

Un’immagine sfocatissima di un uomo che cammina solitario infagottato nel suo cappotto, o un’altra che ci presenta una figura indistinguibile, forse femminile, in una tempesta di ombre e luci ci raccontano moltissimo sulla condizione umana, sulla solitudine, sull’angoscia, e sul senso di vacuità che avvolge ogni cosa, più che tanti reportage “perfettini” e tutti uguali, quasi sempre generati da uno sguardo colonialista e sfruttatore delle miserie altrui, dunque moralmente scorretto, mascherato da atteggiamento filantropico e amorevole nei confronti dei più deboli.

©CultFrame 07/2006

IMMAGINE

Stefano Bernardoni. Soglie visive