In occasione della mostra Italia. Doppie visioni, abbiamo incontrato Massimo Vitali; presente anche con una personale alla Galleria Next Door di Roma, l’autore ci ha parlato fra il serio e il faceto della propria concezione della fotografia.

Può parlarci delle sue fotografie, del loro impatto espositivo dato dal grande formato, dal materiale che usa?

Le mie immagini nascono come oggetti. Io nasco come fotografo: ho sempre fatto foto da quando avevo sedici anni. C’è stato un excursus (con il cinema e il resto), ma ho sempre continuato a fotografare.
Quando ho iniziato questo progetto (perché a un certo punto mi son detto: – ora faccio quello che mi pare, non voglio più ascoltar nessuno -), mi sono accorto che in Italia non c’era un interesse per la fotografia come arte contemporanea; comincia ad esserci ora. Facevo le foto, alcune delle quali fanno parte di questa serie delle spiagge, e la gente mi chiedeva: – Ma tu come le vuoi fare? Ma la cornice? -. Mi sembravano discorsi da pazzi; come la cornice? Uno compra la foto e se la mette in cornice…
La cosa assurda è che questo succedeva nel ’95. Oggi, anzi già da qualche anno, ai giovani che mi chiedono come fare, rispondo: – Guardate ragazzi, la prima cosa è sapere che cosa volete fare della foto. La foto è diventata un oggetto e l’oggetto deve avere delle sue caratteristiche -.

Dal momento che la foto è diventata parte dell’arte contemporanea, ha dovuto assumere il bene e il male di questa: deve, cioè, essere una cosa che può essere venduta, trasportata, commercializzata. Ma deve anche avere una sua interezza, un suo carattere totale, una sua caratteristica precisa.

Così io ho deciso di fare un certo tipo di foto: nel sandwich di plexiglass, perché è un’immagine che sembra una grande cartolina, che vola un po’ distante dal muro.

Non ha una cornice esterna. Ha una cornice posteriore d’alluminio e il sandwich di plexiglass è fatto in un certo modo; resta staccata 5 o 6 cm dal muro. Ogni cosa ha la propria funzione, è studiata; è una mia scelta. Le mie foto sono tutte così.

Ognuna di queste scelte è connessa al contenuto delle foto?

E’ connessa al mercato dell’arte contemporanea. Mi sembra già un’ottima motivazione… Le mie foto sono però sempre così e, se mi commissionano una foto, la gente deve capire che il risultato finale del mio lavoro è quello lì.

Cosa mi può dire riguardo al contenuto di queste immagini?

Il contenuto è poco interessante. E’ vero, potrebbe essere la parte migliore, ma in effetti io vedo che il contenuto si va sempre più assottigliando. La cosa importante è il modo in cui è fatta la foto.

La foto segue una specie di rituale, prevede l’utilizzo di certe cose, come questo cavalletto su una piattaforma a cinque metri e mezzo, per avere sempre la visione dall’alto. C’è poi la messa in opera del cavalletto, la scelta di un certo tipo di macchina.

A monte della fotografia c’è già tutto un progetto, come anche a valle: c’è il progetto, che prende le immagini e le fa diventare oggetto.

A monte della fotografia c’è un certo tipo d’immagine fotografica, una certa posizione, la ricerca di un certo tipo di luogo, per cui alla fine la fotografia – l’immagine in sé stessa – ha un’importanza limitatissima.
Anche perché, secondo me, nella fotografia contemporanea – che è stata investita dall’arte contemporanea – ha sempre meno importanza lo scatto, cioè come e quando avviene, mentre sono invece importanti tutte le cose a monte e a valle.

Il processo fotografico, dunque.

Il processo fotografico; che si è dilatato e quindi il momento in cui viene fatta la foto è una cosa così… L’inquadratura della foto potrebbe essere un po’ più a destra un po’ più a sinistra, e cambia pochissimo. Difatti, nelle foto a volte faccio piccoli spostamenti, ma non cambia nulla.

Quello che conta per me è il progetto.

Cosa riguarda tale progetto?

Il progetto riguarda il punto di vista, la macchina fotografica, la scelta del luogo: tutte queste cose insieme.

Da cosa scaturisce l’interesse verso un certo tipo di soggetti? E’ forse di carattere sociologico?

E’ senz’altro un interesse sociologico, ma la mia ambizione, in realtà, è quella di dare una documentazione che duri nel tempo; è che, fra cinquanta o cento anni, la gente possa usare queste foto per vedere come eravamo oggi, più che se vedesse altri tipi di foto che vengono fatti oggi. Cerco, per così dire, di storicizzare la spiaggia, la discoteca…

C’è l’intenzione di rendere anche un particolare clima emotivo?

No. Penso che oggi la fotografia debba essere un’immagine abbastanza complessa; non lineare, semplice e digeribile in un solo colpo.

Va vista, riguardata, digerita, riguardata un’altra volta. Vanno capite le piccole cose che fanno la nostra vita. La realtà viva, con i rapporti interpersonali, le piccole cose che non voglion dir nulla, ma che ci circondano e sono la nostra vita quotidiana.

Ho sempre pensato che in qualunque momento ci siano talmente tanti layers di cose che succedono. Io cerco proprio di far vedere questo: che ci sono tante cose, tanti strati. Tante stratificazioni, tanti modi di vedere. Per cui anche un evento ha un interesse limitato, se non è inserito in un insieme. Prendiamo ad esempio una foto di cronaca: c’è uno che ammazza; però magari dietro c’è il fiorista e c’è un signore che compra i fiori dal fiorista, e poi dietro c’è uno che sta chiudendo la saracinesca del negozio, poi ancora c’è uno che va in motorino… Io voglio vedere quel che succede laggiù in fondo.

Diventa più importante l’ambiente piuttosto che l’evento.

Le mie foto sono in-eventuali. Le mie foto non hanno eventi, o meglio hanno dei piccolissimi eventi che le caratterizzano.

Quasi “foto ambient”? Come la musica ambient, con il suo minimalismo, la ripetizione seriale delle frasi musicali con piccole variazioni.

Esatto, la ripetizione con piccole variazioni. Si, mi sembra ben trovata questa definizione di “foto ambient”.

Le sue fotografie subiscono già la contaminazione di altri linguaggi, fra gli altri quello cinematografico. Si può pensare, in futuro, anche ad altri tipi di contaminazione?

Da parecchio tempo sto cercando di fare delle opere animate; vagamente, poco animate. Con una colonna sonora. Probabilmente comincerò a lavorarci quest’estate.

Ho già pensato parecchie volte di fare delle foto animate o parzialmente animate: con delle zoomate su dei particolari; dove la zoomata visiva va di conserva con una zoomata audio, dove cioè l’audio diventa sempre più selettivo insieme all’immagine. Insomma l’idea sarebbe di partire da una foto di spiagge dove c’è tutto una ambientazione, un substrato di gridolini, di acqua, di altre cose, e zoomare su un particolare, con l’audio che stringe; poi il particolare che io scelgo si anima.

Questo portare la fotografia sempre più fuori dei suoi ambiti, vuol dire forse che la fotografia non ha in sé più niente da dire?

No. E’ perché la fotografia fa parte dell’arte contemporanea. Non può più stare a guardare la carta baritata in b/n. Ma non solo: la fotografia, secondo me, meno dura e meglio è… alla faccia del collezionismo. Va venduta, poi si deve rovinare!

Non avevo mai pensato a questo.

Quei poveracci del Rinascimento hanno fatto delle robe che sono ancora lì, si son bruciati il mercato, e non solo: l’hanno bruciato per generazioni a venire. La fotografia deve essere una cosa…

Effimera?

Effimera, si; che si autoconsuma. I collezionisti ti chiedono: – Ma dura? E quanto dura? – (perché loro vogliono che duri 500 anni). Ma chi se ne frega! Non lo so, e non m’interessa, perché finché ci sono io, te la rifaccio, poi…

©CultFrame 06/2004

INFORMAZIONI

When the sun goes down, falls the snow

Dal 21 maggio al 19 giugno 2004

Nextdoor artgalleria, Via Montoro 3, Roma

Martedì-sabato 16.00-19.30 (la mattina per appuntamento)

Italia. Doppie Visioni (collettiva)

Dall’1 giugno al 29 agosto 2004

Scuderie del Quirinale Via XXIV Maggio 16, Roma / Telefono 06696270

lunedì-giovedì 16.00-21.00 / venerdì-domenica 16.00-23.00

Massimo Vitali – Retrospettiva

Dal 2 luglio al 3 ottobre 2004

Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci / Viale della Repubblica 277, Prato / Telefono 05745317

lunedì-venerdì 12.00-19.00 / mercoledì 12.00-21.00 / sabato e domenica 10.00-19.00 (chiuso martedì)

Sam Taylor Wood

La prima mostra francese di Sam Taylor Wood, allestita a Parigi presso Le Centre National de la Photographie, risulta illuminante rispetto alle tematiche che compongono il suo universo creativo. In una grande sala, una video installazione propone su pareti contrapposte i primi piani di alcuni personaggi che vengono ripresi nella paradossale fissità di un’attesa. Volti anonimi, individui chiusi nel silenzio che navigano all’interno dei propri pensieri senza manifestare esteriormente, se non con brevi movimenti pieni di tensione, la loro angoscia esistenziale.

Vicino a questa inquietante stanza, in altri ambienti, pieni di luce, sono invece sistemati alcuni lavori fotografici. Gigantesche stampe a colori che spesso rappresentano, anche in modo realistico, situazioni di vita apparentemente normali. Un litigio tra un uomo e una donna, una persona seduta su una sedia che guarda fuori da una finestra, una ragazza su un divano, degli uomini che discutono intorno a un tavolo. Visioni panoramiche che catturano una realtà molto ampia e che costringono il fruitore a dilatare il proprio sguardo per cogliere frammenti di vita, gesti, movimenti bloccati. In genere, una grande inquadratura centrale incorniciata, deborda in altre immagini più piccole e sottostanti, immagini che riportano alla luce un particolare, o fanno emergere un altro punto di vista, oppure, semplicemente vengono utilizzate come appendici visive della fotografia principale.

Questo formato che si avvicina, e forse va oltre, la concezione cinematografica dell’inquadratura blocca nello spazio con precisione il disagio e l’ansia, in sostanza il dolore di vivere. Le relazioni tra gli esseri umani sono spesso conflittuali e sfociano nella rappresentazione di un erotismo un po’ barocco ed estremo, nel tentativo di rendere statico un effetto dinamico e nella descrizione di una solitudine pesante ed enigmatica.

Una atmosfera, quella delle opere di Sam Taylor Wood, che fa tornare in mente il cinema di Michelangelo Antonioni e che contribuisce a rendere i suoi lavori veri e propri approfondimenti, e ingrandimenti paradossali, dell’alienazione che caratterizza la società contemporanea.

©CultFrame 07/2001

IMMAGINE

Sam Taylor-Wood. Soliloquy II, 1998. ©Jay Jopling/White Cube, London

INFORMAZIONI

Sam Taylor-Wood – Photographies et films

Dal 30 maggio al 27 agosto 2001

Centre national de la photographie

11, rue Berryer, Parigi

Telefono +33.153761232

Orario tutti i giorni 12.00-19.00 (chiuso martedì)

“Se fosse possibile vorrei non avere alcuno strumento tra me e il momento di fotografare”. Con queste parole Nan Goldin spiega le sue scelte stilistiche e la sua personale concezione della fotografia. Mezzo meccanico messo idealmente da parte, l’artista americana restituisce il suo universo in una sorta di album di famiglia. Travestiti e transessuali, amici intimi e parenti sono i protagonisti, insieme a lei, di immagini in cui sono tutti consapevoli attori. Le sue fotografie come “Joey on my roof”, “Joey and Anders on Oranienstrasse”, “Joey and Anders in bed” e “Joey laughing”, scattate agli inizi degli anni novanta a New York e Berlino, fanno parte della collezione della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo per l’Arte.

E’ dal 1995 che la Fondazione si impegna a far emergere le tendenze dell’arte contemporanea stimolando la ricerca e la conservazione di lavori nel campo delle arti visive. Per avvicinare il pubblico al clima artistico degli anni novanta la Fondazione ha organizzato Strategies, una mostra ora allestita al Museo d’Arte Moderna di Bolzano, in cui sono riunite le sperimentazioni di trentaquattro fotografi contemporanei e che vuole evidenziare i molteplici approcci adottati da artisti attualmente attivi in Italia e all’estero.

La rappresentazione della sessualità frammentata è al centro dell’attività di Cindy Sherman. Protesi, manichini, seni di plastica e organi sessuali finti, sono elementi utilizzati da Sherman per costruire le sue ben note atmosfere in cui l’identità non ha confini precisi. Artefice della messa in scena, Cindy Sherman è allo stesso tempo interprete delle sue creazioni, in cui appare come unica protagonista.

Realtà e irrealtà, oggettività e soggettività, riproduzione e costruzione, immagine e scrittura, serie fotografiche e sequenze, identità e spazio, queste sembrano essere le tematiche principali della fotografia contemporanea ben introdotte dalla mostra arricchita dalla presenza del canadese Jeff Wall, il quale ritocca le sue opere e le monta su lightbox, da Larry Clark e Wolfgang Tillmans, le cui idee richiamano alla mente quelle di Nan Goldin, dagli scatti effettuati ai modelli costruiti da James Casebere e Thomas Demand e dai lavori delle video artiste Shirin Neshat e Georgina Starr.

Di tutt’altra matrice è l’opera di Thomas Ruff, il quale riprende i suoi anonimi soggetti senza nessun coinvolgimento emotivo, eliminando qualsiasi traccia della loro peculiarità. Il suo è uno sguardo oggettivo, esterno e distante che esclude ogni intervento personale. Sconvolgere l’idea della femminilità e della seduzione è invece l’intenzione di Vanessa Beecroft che nelle sue performance lavora sulla rappresentazione ripetitiva di corpi femminili spogliati dalla loro individualità. Luisa Lambri, vincitrice del Leone d’Oro alla Biennale di Venezia, è presente con i suoi interni, luoghi privi di identità e di storia mentre Alessandra Tesi si concentra su oggetti, basati su forme e colori che dilatano la nostra esperienza visiva e sensoriale.

Accompagna la mostra un bel libro pubblicato da Edition Oehrli con cento immagini e con testi di Patrizia Sandretto Re Rebaudengo e Filippo Maggia, e dei curatori Peter Weiemair, Beate Ermacora e Andreas Hapkemeyer.

(Altri artisti presenti nella mostra: Luca Andreoni, Antonio Fortugno, Nobuyoshi Araki, Olivo Barbieri, Julie Becker, Paolo Bernabini, Sarah Ciraci, Saul Fletcher, Noritoshi Hirakawa, Francesco Jodice, Barbara Kruger, Zoe Leonard, Sharon Lockhart, Esko Mannikko, Hellen van Meene, Ryuji Miyamoto, Tracey Moffatt, Sakiko Nomura, Catherine Opie, Collier Schorr, Hannah Starkey.)

©CultFrame 07/2001

IMMAGINE

Sharon Lockhart. Untitled, 1997. Courtesy Fondazione Sandretto Re Rebaudengo per l’Arte

INFORMAZIONI

Strategies - Fotografia degli anni Novanta

Dal 23 giugno al 2 settembre 2001

Museo d’Arte Moderna

Via Sernesi 1, Bolzano

Telefono 0471975656

Orario tutti i giorni 10.00-18.00 / giovedì 10.00.20.00 (chiuso lunedì)

Catalogo Edition Oehrli

Dagli astri di remote costellazioni fino al grumo di sangue, oggetto di sicura identificazione scientifica dell’individuo: un percorso che si svolge attraverso la catalogazione di rarità botaniche e faunistiche, la narrazione dell’avventura umana e sociale nello spazio, le opere della ricerca fotografico-creativa dei maggiori artisti contemporanei spagnoli.

Un viaggio nell’espressione dell’ingegno scientifico, tecnico, e artistico dell’Uomo, corredato da un forte apparato di documentazione. Sembra quasi una celebrazione dell’intelligenza umana, è un elogio della credulità umana: l’evidenza della realtà può rivelarsi mendace.

Scherzi della natura è la prima retrospettiva in Italia di Joan Fontcuberta, un artista spagnolo che da diversi anni ha fatto dell’attacco alle “verità preconfezionate” dei vari Establishment la propria missione.

La sua attività è nata negli ultimi anni del Franchismo; anni di forte censura da una parte, dall’altra di propaganda mirata a riplasmare le coscienze tramite una divulgazione degli eventi selettiva e talora fantasiosa. Da ciò prende le mosse l’attività “sovversiva” di Fontcuberta, che da allora continua a proporre sempre nuove realtà immaginarie, ma scientificamente documentate, insinuando il dubbio su ogni “interpretazione della realtà”.

E i suoi “attentati alla credibilità” delle istituzioni scientifiche ed artistiche vengono sferrati soprattutto con le armi d’un istituzionalmente insospettabile strumento di mistificazione: la fotografia.
Il suo lavoro di “smascheramento” è dunque soprattutto metafotografico, oltre che politico e persino didattico. Il suo linguaggio, però, non è mai serioso.

Le immagini di questa mostra, e gli oggetti che le accompagnano sostenendone la veridicità, sono stupefacenti ed assolutamente plausibili, quanto divertenti.

Il “triste racconto” fotografico della sparizione nello spazio di un astronauta sovietico, interpretato da Fontcuberta stesso (il cui nome tradotto letteralmente in russo diventa Ivan Istochnikov), la cui esistenza viene supportata da libri, oggetti personali, tute e capsula, rilevamenti orografici dallo spazio e studi tecnici vari, che includono un fedele cagnolino (modello Laika), non può, infatti, che chiudersi con l’immagine di un messaggio in bottiglia (di vodka!) vagante nel cosmo. Solo un esempio fra i vari possibili.

Sono presenti nella mostra in versione ridotta sei dei suoi progetti: “Herbarium”, “Fauna”, “Costellazioni”, “Sputnik”, “L’artista e la fotografia” ed “Emogrammi”.

Quest’ultimo, a suggello di un discorso imperniato sulla “ri-costruzione del reale” a partire da dati concreti e riconosciuti come tali, rivela infine come la rappresentazione più vera di un uomo (il suo sangue) appaia, invece, ai suoi occhi del tutto irriconoscibile.

©CultFrame 07/2001

IMMAGINE

Joan Fontcuberta. Dalla serie Emogrammi

INFORMAZIONI

Joan Fontcuberta - Scherzi della natura
Dal 12 luglio al 29 ottobre 2001

Palazzo delle Esposizioni

Via Nazionale 194, RomaTelefono 064745903

Orario 10.00-21.00 (chiuso martedì)

Una casa, un paesaggio, un mondo fiabesco, popolato di fantasmi. Un volto dall’espressione triste, flussi di fotoni che lo avvolgono, schegge di vita impossibili da decifrare. Una fonte luminosa nel buio più totale, una donna (forse) bloccata in un momento di piacere, forse mentre dorme: la bocca aperta, gli occhi chiusi, i capelli scomposti.

Figure eteree, lampi improvvisi, una realtà sfuggente, incomprensibile, misteriosa, oscura. Allucinazioni, visioni, luoghi e personaggi sconosciuti che si confondono in una rappresentazione indistinta in cui tutto appare privo di consistenza e spessore fisico.

La fotografia di Michael Ackerman racconta, descrive, immagina delle fantasiose avventure, in un processo creativo onirico che trasporta il fruitore in un vortice di sensazioni metafisiche.

Le sue opere si possono vedere ora in una mostra organizzata a Parigi presso la galleria VU. Si tratta di un percorso estremamente interessante e coinvolgente all’interno del suo labirinto espressivo, un universo poetico che, oltretutto, è stato raccolto in un volume intitolato Fiction, pubblicato dalle Editions Delpire.

Michael Ackerman è nato a Tel Aviv nel 1967, ma vive e lavora a New York. E’ certamente una delle figure più interessanti del panorama fotografico internazionale. Ha già al suo attivo uno straordinario libro-reportage realizzato in India: End Time City (Edizioni Scalo) e numerose esposizioni in giro per il mondo (Milano, Berlino, New York, Marsiglia, Rotterdam, Zurigo).

Il suo bianco e nero possiede delle caratteristiche quasi pittoriche, i contorni non sono (quasi) mai netti, tutto è sfumato, la grana dell’immagine molto visibile.

La mostra parigina mette in risalto con grande forza la sua ricerca stilistica, una ricerca individuale che a quanto pare lo sta portando a cercare approdi espressivi sempre più radicali e personali.

Entrando, dunque, nel bello spazio della galleria VU bisogna necessariamente perdersi negli incubi “ackermaniani” senza timore, e successivamente abbandonarsi psicologicamente cedendo alle atmosfere “deliranti” proposte dal fotografo. Le emozioni estetiche per il visitatore, in questo modo, saranno veramente gratificanti.

©CultFrame 07/2001

IMMAGINE

©Michael Ackerman. Agence VU

INFORMAZIONI

Michael Ackerman – Fiction

Dal 18 maggio all’8 agosto 2001

Galerie Vu

2, rue Jules Cousin, Parigi

Telefono +33.0153018581

Orario mercoledì-sabato 14.00-19.00

Una porta aperta è un invito ad entrare; e non è certo casuale che la foto scelta per riassumere l’opera di Mimmo Jodice nella Retrospettiva 1965-2000, che la GAM di Torino gli dedica, sia quella di una porta aperta.

Nel corso di questi anni nascono, dunque, i suoi ritratti e i nudi, nei quali compie una sorta di studio formale dei ritmi figurativi cubisti; i Chimigrammi e gli Strappi, che pongono l’accento sullo specifico tecnico del linguaggio fotografico; ed alcune immagini emblematiche, nelle quali il “con-fondersi” di realtà e riproduzione fotografica sfocia in vere e proprie opere concettuali, come Taglio e Vera Fotografia.
Del tutto contemporanea è la sua documentazione di una Napoli malata di miseria in un genere di reportage puntuale, ma in nessun modo bressoniano: al “momento decisivo”, Jodice sostituisce un momento “permanente”, senza tempo nella sua metafisica immobilità, denso d’angosce e presagi.

La mostra inizia col ripercorrere le ricerche linguistico-formali, che egli intraprende fra la fine degli anni Sessanta e gli anni Settanta; frutto queste, come per Ugo Mulas (e parallelamente alle Verifiche), di un’assidua frequentazione degli artisti della Neoavanguardia, nonché della profonda adesione alle loro istanze concettuali.

L’apparente dicotomia di queste due produzioni iniziali, quella “documentaria” e quella “creativa”, troverà poi, a partire dal 1980, – come la mostra ben documenta – il suo epilogo in una “rilettura” fotografica personale del mondo, definitivamente sciolto dalla contingenza del presente (e svuotato dalla presenza umana), e in continuo dialogo con la visione propria dell’autore. “..Alla fine tutto ciò che incontriamo è un paesaggio interiore…l’obbiettivo della macchina fotografica dovrebbe ‘guardare fuori’.. ed invece finisce col ‘guardare dentro’ e proiettare nel mondo una dimensione atemporale”: la dimensione della memoria personale (in “Vedute di Napoli”) e storica (in “Mediterraneo”), con le certezze del passato che salvano dall’inquietudine per il futuro.

Oltre trent’anni di fotografie, in questa esposizione, ci accompagnano lungo il percorso artistico di un grande fotografo alla scoperta del mistero di ciò che è dietro l’Immagine.

©CultFrame 07/2001

IMMAGINE

Mimmo Jodice. A Napoli negli anni settanta

INFORMAZIONI

Mimmo Jodice - Retrospettiva 1965-2000

Dal 19 maggio al 9 settembre 2001

GAM

Via Magenta 31, Torino

Orario tutti i giorni 9.00-19.00 (chiuso lunedì)

Catalogo GAM, 256 pagine, 165 fotografie, testi Paul Virilio, Roberta Valtorta

Il cielo è sempre grigio-bianco e l’ambiente deserto intorno alle case riprese tra il 1959 e il 1994 da Bernd e Hilla Becher. La galleria Renn di Parigi ne presenta sessantacinque, abbastanza per rendersi conto del lavoro preciso e dell’approccio obiettivo adottato dalla coppia tedesca.

Tra fotografia documentaria e arte concettuale, il lavoro dei Becher è teso a salvare un patrimonio architettonico banale e anonimo. L’abitazione, ridotta ad una mera forma geometrica bidimensionale (una sorta di quinta) è inserita in composizioni prive di fantasia e sentimentalismi. La luce, neutra e senza ombre, isola l’edificio, ripreso sempre frontalmente e senza distorsioni, dal suo contesto più ampio. Sono case che spiccano per la loro modesta struttura, abitazioni create da uomini sconosciuti, il cui lavoro sarebbe stato destinato all’oblio se non fosse stato fotografato e catalogato da Bernd e Hilla con meticolosa metodicità. I due hanno così costruito una vera e propria enciclopedia di strutture ripetitive e senza autore, scoperte nelle campagne e nei piccoli villaggi.

Prima ancora di concentrarsi sulle abitazioni, i Becher hanno attraversato le zone industriali della Ruhr, dell’Olanda, del Belgio, della Francia, dell’Inghilterra e degli Stati Uniti, fotografando fabbriche in disuso, macchine arrugginite, gazometri, silos, riserve d’acqua, e dando vita ad un vero e proprio inventario di “sculture” (non a caso hanno ricevuto, nel 1990 alla Biennale di Venezia, il premio della scultura).

Fanno parte del bagaglio artistico della coppia le fotografie di Ranger-Patzsch e la “Nuova Oggettività”, le immagini di Atget, di Walker Evans, di Karl Blossfeldt e in particolar modo quelle di August Sander, anche lui testimone della sua epoca e archivista della società tedesca.

Apprezzati dai minimalisti, i due capiscuola e promotori del realismo documentaristico, hanno formato, all’accademia delle belle arti di Düsseldorf, una generazione di fotografi, della quale fanno parte autori come Andreas Gursky, Thomas Struth, Thomas Ruff e Axel Hütte.

©CultFrame 07/2001

IMMAGINE
Bernd & Hilla Becher. dalla serie Haüser

INFORMAZIONI

Bernd e Hilla Becher – Haüser

Dal 27 aprile al 13 luglio 2001

Galerie Renn 14/16

14/16 rue de Verneuil, Parigi

Telefono +33.142612571

Orario martedì – sabato 12.00-19.00

Agli spazi sconfinati dell’Australia ha preferito il caos di Bangkok. La necessità di rappresentare la soffocante realtà che devasta il sud-est asiatico ha spinto Philip Blenkinsop, già residente a Perth, fino alla capitale thailandese, luogo da dove parte per le sue missioni fotografiche che l’hanno portato a documentare la ritirata delle truppe vietnamite dalla Cambogia nel 1989, il colpo di Stato di Hun Sen a Phnom Penh nel 1997, le vittime delle mine in Cambogia, i continui massacri.

Sono fotografie davvero crude quelle che hanno trovato ospitalitià presso la Galleria parigina Fait et  Cause, da sempre impegnata nelle cause sociali.

Tutto accade non lontano dalle invitanti spiagge di Pukhete e dai templi di Angkor. Esseri umani fucilati, cani maciullati, carcasse di macchine ammucchiate, teschi in bella mostra, teste brutalmente decapitate e corpi sventrati da cui sono stati estratti cuore e fegato, sono scene di oggi nonché tragico ed assurdo patrimonio dell’umanità del ventesimo secolo.

Territorio di guerre, rivoluzioni, colpi di stato e dittature, linciaggi e genocidi, l’Estremo Oriente viene colto dall’obiettivo di Blenkinsop, il quale restituisce la ferocia umana in un bianco e nero che non lascia spazio all’interpretazione e concentra in inquadrature strette un orrore che non permette distrazioni.

Sono immagini in cui regnano coltelli affilati e spade luccicanti, fruste e sangue, urla di protesta e carneficine, violenze urbane e morti.

Cosa ci hanno raccontato in realtà i mezzi di comunicazione sugli eventi sanguinari che si sono verificati in Cambogia, Thailandia, Laos e Vietnam, e più recentemente sulla rivolta a Timor Est e sugli scontri tra cristiani e musulmani in Indonesia?

Philip Blenkinsop c’era. Ed ha immortalato quei terribili eventi, “dilatatandoli” fino a farli apparire fenomeni senza inizio né fine.

©CultFrame 07/2001

IMMAGINE

Philip Blenkinsop. King’s Corner, Bangkok, 1989. ©Agence VU

INFORMAZIONI

Extrême Asie – Photographies de Philip Blenkinsop/Vu

Dal 10 maggio al 13 luglio 2001

Fait et Cause

58, rue Quincampoix, Parigi

Telefono +33.142722636

Orario martedì-sabato 13.00-19.00

Libro Nathan (Photo Poche Société)

Com’è naturale per chiunque sia vissuto all’ombra di un vulcano, Antonio Biasiucci, che vicino al Vesuvio è nato (e fin dal 1984 ha collaborato con l’Osservatorio Vesuviano), conosce il fascino viscerale di queste “montagne”, che sono archetipi di fertilità e distruzione, oltre che metafora di metamorfosi creativa.

Dato l’interesse dei suoi primi lavori per i rituali arcaici sopravvissuti nella tradizione contadina, che nelle sue foto sembravano avvolti in atmosfere mitiche e senza tempo, non ci stupisce il suo volgersi a qualcosa di più remotamente e profondamente radicato dentro di noi. Le sue “Fotografie” evocano luoghi remoti nel tempo e nello spazio, che sono nella realtà vulcani, solfatare e mari. Sono però, grazie ad un’operazione di ritaglio del particolare, anche immagini astratte.

Quasi come le tavole di Rorschach, che con le loro macchie d’inchiostro ci forniscono un’immagine data, eppure tutta da reinventare attraverso i suggerimenti della nostra psiche; i toni dal nero al bianco dalle morbide sfumature di grigio, o dai contrasti repentini, delle fotografie di Biasiucci, costituiscono “significati” che vanno dritti all’animo, e risvegliano echi di un tempo più antico dell’uomo.

In esse riconosciamo, ancor prima che rocce, lave ed onde, la “materia” ancora informe, ed il suo crogiolo: un fluire e un prender forma del caos primigenio, che la macchina fotografica si trova a creare più che a

registrare.

Quella che vediamo al “Magazzino d’Arte Moderna” è fotografia, nel senso etimologico di “scrittura della luce”: il suo alfabeto sono le ombre da cui emergono forme misteriose e luminosi percorsi frastagliati, la sua morfologia quella degli elementi naturali, trascritti in sapienti composizioni di una bellezza classica. A noi il compito di leggere.

©CultFrame 06/2001

INFORMAZIONI

Antonio Biasiucci – Fotografie

Dal 15 maggio al 31 luglio 2001

Magazzino d’arte moderna

Via dei Prefetti 17, Roma

Telefono 066875951

Catalogo Magma, Federico Motta Editore